20/9/17

Marvel podría estar desarrollando una película de 'Power Pack'


Marvel podría estar desarrollando una película de 'Power Pack'

Al parecer, el proyecto se está desarrollando como algo similar a la franquicia de 'Spy Kids'.


sensacine.com

Marvel Studios parece que no descansa en su trabajo en la gran pantalla y un nuevo rumor afirma que el estudio está desarrolando una película basada en los populares cómics infantiles Power Pack.

Siempre según That Hashtag Show, Marvel Studios está pensando en llevar a la gran pantalla esta historia y desarrollarla como algo parecido a la franquicia de Spy Kids. No obstante, el 'site' recalca que no se ha dado luz verde al proyecto y que todavía no tiene fecha de estreno. Al parecer, Jonathan Schwartz -productor ejecutivo de Guardianes de la Galaxia Vol. 2- está involucrado en la película.

Power Pack sigue a una familia formada por cuatro niños -Jack, Julie, Katie y Alex Power- que adquieren una serie de habilidades tras la muerte de un Kymellian, un alienígena llamado Aelfyre Whitemane. Los protagonistas conocen a este ser cuando viaja hasta La Tierra para parar a su padre, el doctor James Power, de destruir todo el planeta. En los cómics, Alex manipula la gravedad, July es capaz de volar, Jack puede manipular la masa de su cuerpo y Katie puede desintegrar objetos y convertir su energía en
explosivos.

Te recalcamos que esta información no está confirmada y se trata de solo un rumor, por lo que es preferible tomarla con precaución.

De momento, puedes disfrutar de Thor: Ragnarok, el próximo capítulo de la Fase 3 del Universo Cinemático de Marvel que llega a las salas de cine el 27 de octubre.

13/9/17

¿Cómo se hace una película de terror? El caso de 'IT' contado por sus protagonistas




¿Cómo se hace una película de terror? El caso de 'IT' contado por sus protagonistas

20minutos.es

Esta nueva adaptación de la novela homónima de Stephen King ha conseguido revitalizar el miedo por los payasos, además de ser un éxito de taquilla.

Su director, Andy Muschietti, explica cuáles son los elementos fundamentales para lograr que el espectador sienta miedo en la sala de cine.

La versión cinematográfica y actualizada del clásico del terror IT ha conseguido un hito: con 123,1 millones de dólares (102,4 millones de euros) recaudados en su primer fin de semana se ha convertido en el mejor debut de la historia para una cinta de terror.

Y es que esta nueva adaptación de la célebre novela homónima de Stephen King ha conseguido revitalizar el miedo ancestral por los payasos, dándole una vuelta de tuerca con una película en la que su director, Andy Muschietti, no da respiro en las más de dos horas de metraje.

Pero, ¿cómo se logra asustar? ¿Cómo se crea el miedo? ¿Qué es lo más importante para una escena terrorífica? Muschietti, que junto a su hermana Bárbara ya sedujeron con Mama, explica a 20minutos.es que "hay dos cosas que son esenciales" para crear una película pavorosa.

La primera es "que el espectador se involucre emocionalmente con los personajes, que te preocupes por ellos, algo que muchas películas de terror no consideran", dice el director argentino afincado en Los Ángeles.

Que el espectador cree lazos afectivos con los protagonistas es una forma de que lo que al personaje le pase le impacte también al espectador y ésto es "esencial en cualquier género y es algo que King hace de forma natural, es parte de su estilo", hace ver el cineasta.

La segunda cosa fundamental es "dosificar el miedo y hacer una construcción del suspense y la tensión antes de pegar el susto. No sólo tiene que ver con el shock, con el impacto, si no con la preparación de ese momento", explica Muschietti. "IT tiene eso desde la esencia. Hay un monstruo, pero no es solo él, es su entorno, el ambiente, que es una extensión de ese monstruo", revela.

El sonido, o la ausencia de él, puede ser uno de esos elementos que aumenten el ritmo cardíaco antes del desenlace de una escena. El mezclador de sonido Michael Keller explica que IT cuenta "con muchas escenas de silencio casi absoluto tras las que viene un gran susto. Nuestro trabajo era neutralizar el sonido para evitar advertir al público de esos sustos, que así son completamente inesperados".

En paralelo, diseñador de sonido Paul Hackner creó para IT un "ambiente sonoro inmersivo" que a veces es imposible de apreciar de forma consciente: "para los túneles pequeños usamos sonido monoaural, pero en la cisterna el sonido tenía eco", explica el experto. Pero además, en varios pasajes de la película se usa la risa malévola del payaso (creación de Bill Skarsgård, el actor de da vida al payaso Pennywise) "dándole distintas modulaciones" y reproduciéndola como sonido subliminal y en baja frecuencia.

La música es otro de los elementos a los que se recurre para hacer que el espectador se remueva en la butaca. La banda sonora de este IT del siglo XXI es obra de Benjamin Wallfisch y entre las melodías creadas y utilizadas destaca la canción de Pennywise, que es una melodía real, una canción infantil del siglo XVII titulada Oranges and Lemons.

Esta alegre tonada tradicional en Inglaterra dice en su letra cosas como: "He aquí una vela para iluminar tu camino hasta la cama / ¡Y he aquí una picadora para cortarte la cabeza! / Chip chop chip chop corta al último hombre muerto". Esa canción, ideal para dormir a un niño, suena en la película cada vez que Pennywise ataca o está planeando hacerlo.

Precisamente, otros de los elementos más perturbadores tienen que ver con el antagonista, el payaso demoníaco. Para él, Muschietti quiso cosas como que fuera estrábico y que uno de sus ojos pudiera moverse de forma independiente. No es un efecto especial de posproducción: Bill Skarsgård tenía la habilidad real de hacer eso con sus ojos.

La elección de Skarsgård, de tan sólo 27 años y facciones dulces y aniñadas, no fue casual. "Siempre pensé que darle al payaso facciones infantiles le haría aún más inquietante por el contraste de parecer dulce e inocente y ser capaz de hacer cosas terribles", rememora Muschietti.

Pennywise es un ser ancestral, que ya atacaba a los primeros colonos que llegaron a Derry (la ciudad ficticia donde se ambienta la película, basada en Bangor, Maine y rodada en Port Hope, en Canadá). Así que para reflejar esa antigüedad se le añadieron a su atuendo elementos medievales, renacentistas e isabelinos, además de pliegues "que resaltaban las cualidades orgánicas y reptilianas", según explica Janie Bryant, diseñadora de vestuario.

Por si todo eso fuera poco, también se cuidó que las primeras reacciones de los jóvenes actores que interpretan al "club de los perdedores". Para eso no se les dejó ver al payaso hasta que tuvieran su primera escena con él. "Primero rodamos las partes más ligeras y luego vino el villano Pennywise y cuando por fin lo vimos con todo el maquillaje y vestido de payaso resultó realmente aterrador", recordaba con Chason Jacobs que da vida a Mike Hanlon, uno de los miembros de la pandilla de It.

Sólo hay una excepción a ese aislamiento de los protagonistas con el monstruo, la del pequeño Jackson Robert Scott, que a sus ocho años protagoniza una de las "escenas más violentas y grotescas" de la película de la película: la de la alcantarilla. Este pequeño "adulto reencarnado en un cuerpo pequeñito" conoció a Bill Skarsgård antes del rodaje y llegaron a ser buenos amigos, de forma que cuando llegó la escena "él sabía que era todo mentira, conocía al actor, hacía bromas con la prótesis del brazo...", explica el director.


Dos niveles de terror


Si algo tiene esta nueva versión de IT es que sus protagonistas, los siete miembros del "club de los perdedores" no escapan del horror cuando lo paranormal remite. "La película tiene un segundo nivel de miedo que está en el mundo real, en las historias de abuso, de negligencia, de manipulación, de sobreprotección... son terrores con los que todos hemos estado relacionados de niño", hace ver Muschietti. Y es que en esta película los adultos pueden dar casi tanto miedo como el payaso.


2/9/17

“Un extra puede matar una película”



“Un extra puede matar una película”

Alexander Payne relata en Venecia el largo proceso de creación de ‘Una vida a lo grande

elpais.com

Le dijeron que no dos veces. Por la misma razón. El guion les gustaba, funcionaba. Tenía un único, insospechado, defecto: “Es demasiado inteligente”. Así rechazaron sendos ejecutivos de Hollywood el nuevo proyecto de Alexander Payne (Omaha, 1961), según relata él mismo. Tal vez más de un espectador se sienta ofendido por la visión que los grandes estudios parecen tener del público. Pero el caso es que Una vida a lo grande no encajaba es ese “modelo”, en palabras del director, donde todo es súper (héroes, presupuestos, sagas, promoción…), para que los ingresos sean igual de colosales. Hasta que, al fin, Payne dio con un alma gemela. “No tiene sentido en el papel, pero lo hará en la pantalla”, le dijo un distribuidor. “Esa frase encierra la historia de mi vida”, sonríe el director.

Su sorna caracteriza todo el encuentro con un grupo de periodistas. Acaba de inaugurar el festival de Venecia, pero se le ve como por su casa. Salvo por la americana, que se quita enseguida. Entra en la habitación, se presenta uno por uno a todos los redactores. Pregunta si, por lo menos, “alguien se ha reído” en la proyección. Y arranca la charla.

-¿Cuánto tienen que ver sus raíces griegas en la película?, le plantea un redactor de ese país.

-Ni idea.

Risas. Ni ha pasado un minuto y el hechizo Payne ya es efectivo. Y entonces el cineasta explica por qué Una vida a lo grande le ha costado tanto. Empezó a concebirlo tras Entre copas, en 2004. Se pasó siete años sin estrenar nada. Y al final, en vez de este filme, sacó de la chistera Los descendientes. “El guion era dificilísimo. Estaba claro el concepto, pero ¿cómo resumirlo en dos horas? Y luego fue imposible de financiar. Aprendí que hay que ser persistente”. Se planteó, por la duración, convertirlo en una serie. Pero prefería “el cine y la imagen más grande”. Aun asi la fábula de cómo los humanos optan por reducir su tamaño para consumir menos precisó su filme más caro hasta la fecha.

Payne no aclara el presupuesto —“entre 10 y 100 millones”— pero lo cierto es que un cineasta acostumbrado a rodar andanzas cotidianas ancladas al territorio se lanza a la ciencia-ficción. De forma más íntima y sugerente, de acuerdo. Pero con efectos especiales (“¡quitan muchísimo tiempo!”) y un esfuerzo agotador. “Estoy a cero ahora mismo, no tengo ningún guion ni nada. ¡Nunca más perseguiré el filme de mis sueños!”, afirma. Tanto que no quiere otro proyecto de esta magnitud: “Por dios, ¡no!”.

Incluso a lo grande, eso sí, el director mantuvo sus reflexiones y su estilo tragicómico: “Tratamos de ir más allá del género, a las raíces de la historia y los personajes”. Por eso, Una vida a lo grande habla también de la injusticia, la desigualdad, los muros y las certezas ciegas. Tampoco Payne cambió su manera de ser en el set. “Se tomaba un momento para hablar con cualquiera”, recuerda la actriz Hong Chau. “Me interesa, y soy curioso. Pero es también egoísmo. Una vez que estás rodando ellos, el equipo, son la película. Un extra puede matar un filme”, explica él.

Un gran actor, en cambio, lo ayuda. “Matt Damon es la única estrella estadounidense de su edad que puede retratar a cualquier hombre”, alaba a su protagonista Payne. Y admite que trató de sumar a su reparto otro divo más: “Contacté a Javier Bardem, quiero trabajar con él”. Tiene todo el sentido. Esta vez, incluso en el papel.

31/8/17

¿Es realmente racista "Lo que el viento se llevó"?



¿Es realmente racista "Lo que el viento se llevó"?

bbc.com

"El sentido común se lo llevó el viento en Memphis".

Este fue uno de los muchos juegos de palabras que surgieron ante la decisión del presidente del emblemático teatro Orpheum de Memphis, Tennessee, de retirar de sus proyecciones de verano el clásico de Victor Fleming "Lo que el viento se llevó".

La frase es del presentador de la cadena conservadora Fox News, Todd Starnes, quien además es nativo de Memphis.

Y Starnes no fue el único en criticar una medida que el presidente del teatro, Brett Batterson, explicó con estas palabras:

"El Orpheum, como una organización dedicada a 'entretener, educar e iluminar a su comunidad de espectadores', no podrá continuar retransmitiendo una película que es insensible hacia una gran parte de la población local", anunció el pasado fin de semana.

Con esto se pone fin a una tradición que el teatro Orpheum cumplía cada mes de agosto desde hace 34 años.

Desde algunos sectores se aplaude la decisión y se invoca a que cunda el ejemplo.

Para otros, el gesto es desproporcionado y puede dar lugar a un peligroso efecto dominó camino a la censura.


Ambiente revuelto

Brett Batterson aseguró que llevaba tiempo meditando la idea de poner fin a la proyección de la película de 1939 protagonizada por Clark Gable, Vivien Leigh y Olivia de Havilland.

Y desvinculó la medida de los sucesos de Charlottesville, Virginia, donde los pasados 11 y 12 de agosto se produjeron violentos enfrentamientos entre grupos de supremacistas blancos y manifestantes que salieron a contrarrestar su presencia.

Uno de los supremacistas arrolló a los contramanifestantes y causó la muerte de Heather Heyer, una joven activista de 32 años.

Aunque la coincidencia en el tiempo entre los hechos de Charlottesville y la retirada del clásico de Hollywood de la pantalla del Orpheum, más que una casualidad parece reflejo del estado en que se encuentra el debate racial en Estados Unidos.

En este sentido, el escritor y comentarista afroestadounidense Otis Sanford celebró la resolución de los dirigentes del teatro de Memphis.

"La retirada de la película ha sido criticada en redes sociales pero la decisión es otra señal alentadora de que las actitudes están cambiando y que el racismo, el odio y la opresión no son bienvenidos en Estados Unidos", señaló Sanford.


Un sur esclavista idealizado

"Lo que el viento se llevó" ganó ocho premios Oscar -récord en la época- y también batió todos los récords de recaudación en taquilla.

Basado en el libro del mismo nombre escrito por Margaret Mitchell en 1936 y ganador de un premio Pulitzer, los detractores alegan que el filme hace una caracterización ofensiva de los afroestadounidenses al tiempo que glorifica la vida en las plantaciones del sur de Estados Unidos en el siglo XIX.

Argumentan así que la película ofrece una romántica representación de los días de la esclavitud antes y durante los primeros compases de la Guerra Civil que enfrentó a norte y sur del país (1861-1865).

La oposición al clásico de Victor Fleming por parte de la comunidad afroestadounidense no es algo nuevo.

Pero ahora, en un contexto de creciente visibilidad de los supremacistas blancos en público y en internet, "Lo que el viento se llevó" parece particularmente tóxica para algunos, incluyendo la ciudad de Memphis con su extensa población afroestadounidense.


Exceso de corrección política

Del otro lado no dejan de surgir voces que denuncian la retirada de la película.

Desde el campo de la política, los conservadores aprovechan la controversia para insistir en su desprecio a lo que consideran una excesiva corrección política de los progresistas.

Herman Cain, politico afroestadounidense que fuera precandidato presidencial en 2012, escribió en su página web: "El acto de restregar la historia continúa sin cesar. Cualquiera que quiera explicar la diferencia entre esto y la quema de libros, que lo haga".

Muchos se preguntan dónde está el límite, y qué pasará con otras películas clásicas cuyas temáticas o presentación de los personajes puedan haber quedado anticuadas.


Valor cultural y artístico


Por su parte los amantes del cine que adoran la película no entienden esta ofensiva contra el clásico de los clásicos.

Recuerdan además que el filme supuso el primer Oscar para una mujer negra: Hattie McDaniel ganó la estatuilla a mejor actriz de reparto por su personaje de "Mammy", la esclava de Escarlata O'Hara.

El crítico literario y cinematográfico Chris Herrington opina que, como pieza de historia cultural, "Lo que el viento se llevó" nos dice más sobre 1939 y los años posteriores que sobre la década de 1860 en la que está ambientada.

Herrington añade que, por su riqueza narrativa, la película debe seguir viéndose, pero con un ojo critico que no se suele tener.


¿Equiparable a los monumentos de la Confederación?

La columnista del diario The Washington Post Alyssa Rosenberg discrepa de esta visión.

"Las estatuas de Lee, 'Stonewall' Jackson y otros generales de la Confederación son un intento de convertir una ilusión en una realidad concreta", escribe.

"Sin embargo, 'Lo que el viento se llevó' reconoce lo que para algunas personas puede ser hermoso de ese sueño pero, a través del personaje de Escarlata O'Hara defiende que el verdadero coraje no es sucumbir en un duermevela sino despertarse de una fantasía".

Para quienes defienden su retirada, el hecho de que la película no se proyecte en el Orpheum no es censura porque la obra sigue a disposición de quien quiera verla por otros medios.

Comparan la decisión del presidente del teatro de Memphis con la retirada de estatuas y otros monumentos de la Confederación.

30/8/17

La polémica racial salpica la nueva película de 'Hellboy'




La polémica racial salpica la nueva película de 'Hellboy'

Ed Skrein, uno de los últimos fichajes del reboot de 'Hellboy' con David Harbour ha decidido renunciar a la controversia

fotogramas.es

Ed Skrein, el actor que interpretó al villano de 'Deadpool', ha decidido abandonar el nuevo proyecto de 'Hellboy' tras la polémica surgida con su personaje, Ben Daimio, el cual iba a ser "blanqueado" por el estudio. Los fans de los cómics de Mike Mignola han puesto el grito en el cielo al enterarse de que Skrein sería Daimio, un personaje que en las viñetas es asiático.

Las quejas llegaron hasta el actor, que ayer mismo decidió colgar un comunicado en las redes sociales exponiendo que decidía abandonar la película con la intención de que sirviese de ejemplo para dar más diversidad al reparto. "Está claro que representar a este personaje de una manera culturalmente precisa es importante para la gente", escribió Skrein en Twitter.

"Al descuidar ésta responsabilidad estaría apoyando una preocupante tendencia a oscurecer las historias de minorías étnicas y la voz en las artes. Creo que es importante honrar y respetar eso. He decidido renunciar para que el personaje pueda ser expresado adecuadamente. La representación de la diversidad étnica es importante, especialmente para mí, ya que tengo una familia de patrimonio mixto".

"Es nuestra responsabilidad tomar más decisiones en tiempos difíciles y dar voz a la inclusión. Espero que algún día éstas discusiones se vuelvan menos necesarias y que podamos hacer que la representación igualitaria en las artes sea una realidad", concluyó el actor su comunicado en las redes. La decisión de Skrein viene precedida por otras polémicas como la de 'Aloha' y el personaje interpretado por Emma Stone o la más reciende de 'Ghost in the Shell', en la que Scarlett Johansson daba vida a otro personaje asiático.

29/8/17

Asociación de payasos del mundo reclama contra película "It"



Asociación de payasos del mundo reclama contra película "It"

Una asociación gremial se mostró en contra de la forma en que expusieron la imagen de los personajes de diversión infantil.

ahoranoticias.cl

El remake de la película “IT” ya llegó a los cines y en sus primeros días de exhibición ha logrado sorprender a los críticos, sacando cuentas alegres.

Sin embargo, hay quienes ya muestran oposición a la película del payaso siniestro. La Asociación Mundial de Payasos hizo un duro reclamo contra la película y aclaró que su labor se aleja de lo que ellos buscan como agrupación.

"Entendemos que algunas personas disfrutan del 'género de terror', pero encontramos que muchas personas se enfrentan con imágenes de horror (con imitaciones de payasos)”, dijeron desde la WCA (por sus siglas en inglés) en un comunicado.

Junto con ello, la agrupación de payasos aseguró que “estos personajes de terror no son payasos. Incluso el personaje de la película "IT" debe ser entendido como un personaje de fantasía - no un verdadero payaso”, agregando que “están tomando algo inocente y sano y pervirtiéndolo para crear miedo en su audiencia”.

Desde la Asociación Mundial de Payasos reclamaron por el efecto que no solo tuvo la película “It”, sino que también el fenómeno de videos de un payaso asesino que realizaba bromas y eran subidas a Youtube.

La presidenta de la agrupación, Pam Moody, aseguró a The Hollywood Reporter que “el año pasado fuimos realmente dejados de lado”, ya que “la gente tenía shows en escuelas y librerías que fueron cancelados. Es muy lamentable. El público al que estamos tratando de transmitir mensajes positivos e importantes no lo está recibiendo”.

22/8/17

'Intelligent Life': La película 'sci-fi' de Amblin ficha a una directora de 'Stranger Things'

'Intelligent Life': La película 'sci-fi' de Amblin ficha a una directora de 'Stranger Things'

La cinta gira en torno a un empleado de Naciones Unidas que conoce a una mujer que podría ser una alienígena.

sensacine.com

Intelligent Life, la nueva película 'sci-fi' de Amblin Entertainment, ha encontrado a su directora. Según informa THR, la elegida ha sido Rebecca Thomas (Stranger Things), que ocupa el puesto de Ava DuVernay (A Wrinkle in Time). La historia del filme gira en torno a un empleado de Naciones Unidas que trabaja estudiando el espacio exterior y que conoce a una hermosa mujer que podría ser una alienígena.

El guion de la cinta lo han firmado Colin Trevorrow y Derek Connelly (Jurassic World), aunque Rebecca Thomas ha hecho algún que otro cambio en el libreto. Ava Duvernay estuvo vinculada al proyecto en febrero de 2016 con la actriz Lupita Nyong'o (Black Panther, Star Wars: Los últimos Jedi) como protagonista. Las dos abandonaron, y la directora escogió A Wrinkle in Time y la mini de Netflix sobre Central Park Five. Tras su marcha, Jay Roach (Poltergeist: El legado) reescribió la historia.

Thomas hizo su debut con la 'indie' Electrick Children y también se encargará de la película de acción real de La Sirenita para Universal y de la adaptación de Buscando a Alaska de John Green. Verás su trabajo en el episodio 'The Secret Cabin' (2x07) de la segunda temporada de Stranger Things. ¡27 de octubre!

21/8/17

'La Torre Oscura': mediocre como película, frustrante como adaptación



'La Torre Oscura': mediocre como película, frustrante como adaptación

El Hombre de Negro huía a través del desierto y El Pistolero iba en pos de él.


xataka.com

Así comienza 'El Pistolero', la breve novela que arranca la saga de fantasía y ciencia ficción de Stephen King. Pero olvida todo lo que sabes sobre 'La Torre Oscura' porque no encontrarás mucho de ella en la mediocre adaptación cinematográfica de Sony (seguramente sea poco apropiado asignar la autoría a Nicolaj Arcel; o de Akva Goldsman y Jeff Pinker).

Jake Chambers es aquí un preadolescente atormentado por sus sueños. Su consternada madre, convencida de que son consecuencia de la muerte de su padre, decide enviarle a un centro donde le tratarán. Pero Jake escapa convencido que todo forma parte del peligro que rezuma de sus sueños y poco tarda en toparse con El Pistolero, un señor serio y aguerrido que va tras El Hombre de Negro, un poderoso mago que quiere destruir una tal Torre y está provocando que todos los mundos que ésta sostiene tiemblen.

Este argumento (de la película) se traduce en un amalgama de ideas, sucesos y conceptos que carecen una narración firme y consecuente, de un desarrollo con una intención clara. Uno sale de la sala tras los escasos 90 minutos sin tener claro qué quiere contar realmente la película tras toda la parafernalia de magia, revólveres y portales.


Una producción infernal

No es de extrañar que el guión sea tal desastre. El proyecto de adaptación de la saga se anunció hace diez años por parte de Bad Robot y J.J. Abrams ('Perdidos', Star Wars VII), fan declarado de la obra de Stephen King que ha colado referencias en varias de sus producciones.

Abrams, King y Damon Lindelof ('The Leftovers') incluso llegaron a reunirse, pero finalmente la cosa no cuajó y el siguiente intento lo inició Universal Pictures con Ron Howard en 2010. Sonó Javier Bardem para el papel de Roland, que sería sustituido por Russell Crowe cuando Warner tomó el relevo junto a HBO, quien produciría una serie ambientada en el mismo universo.

Y entonces llegaron Sony y MRC. Con Idris Elba como Roland y Matthew McConaughey como El Hombre de Negro. Pero el Development Hell no acabó aquí ya que la producción sufrió muchos reveses entre cambios de guionista, visionados de prueba fracasados, nuevas escenas grabadas en mitad del proceso de montaje (que, por cierto, se notan en el cambio físico de Tom Taylor, el niño que interpreta a Jake, y en el pelo de Elba) y cambios constantes de fecha de estreno.

No suele ser buena señal que una producción sea tan problemática y 'La Torre Oscura' no es la excepción. El primer tropiezo llega con un guión que quiere abarcar tanto que no consigue atrapar ni con la mitología ni con los personajes ni con la peripecia.


Un despropósito genérico

La presentación del universo y sus reglas convierten la película en un paseo expositivo y tedioso que recoge elementos presentes en los ocho (siete más uno, diría) libros de la saga y los comprime con la intención de cautivar al espectador. Sin embargo, el resultado es un enfrentamiento tan genérico y aparatoso entre el bien y el mal que las singularidades de esta historia se pierden por el camino.

En varios puntos del metraje incluso da la sensación de que la mayoría están ahí sólo para cobrar el cheque. No sólo los actores (McConaughey es risible a veces) sino que está escrita, rodada y montada con desgana. El único de los protagonistas que se siente de verdad en el papel es el niño, el resto se mimetizan con lo vacío y frío de la historia.

El montaje es vergonzante. Salta de una secuencia a otra, introduce voces en off aleatorias con frases del libro, intercala flashes de imágenes que no vienen a cuento y ni se preocupa de disimular las secuencias que rodaron a posteriori, una serie de flashbacks insertados con calzador como intento de dar dimensión y conflicto al personaje de Roland.

El Roland de los libros le diría al de la película que ha olvidado el rostro de su padre por tener esas dudas, pero nunca lo mencionaría como punto negativo si realmente estuviese desarrollado más allá de dos conversaciones impostadas y casi incomprensibles en la continuidad de la historia y los personajes.


Decepcionante y desperdiciada adaptación

Y esta es la gran frustración de 'La Torre Oscura' para alguien que ha leído y disfrutado (con altibajos) la saga de King. Nunca he sido de ese tipo de puristas que exigen fidelidad total a una adaptación; tratándose de medios narrativos tan distintos es, de hecho, imposible. Pero es especialmente desconcertante que hayan transformado todo lo especial de ese mundo en algo tan manoseado, en un estereotipo vacío.

No sólo El Hombre de Negro y Roland han perdido toda complejidad y atractivo, elementos del mundo como La Torre, los Haces o los portales se han re-imaginado a una ambientación que incluso se antoja arcaica. ¿No habría resultado más original que los portales fuesen simples puertas? Marcos que pueden encontrarse incluso en mitad de la nada en lugar de ese burruño Stargatero de tecnología robusta, lagartos camuflados y acólitos del villano intensos y temblorosos.

Con éste título de Sony se confirma que 'La Torre Oscura' nunca fue un proyecto adecuado para hacer un blockbuster, y menos aún uno de 70 millones de presupuesto - las limitaciones son patentes en el metraje, los secundarios de baratillo, las secuencias de acción ridículamente nocturnas y sin contraste como la del bosque.

No es un material al que le siente bien la reconversión al peor cine de acción comercial, ese que intenta mascarlo todo, escribir a base de "frases de trailer" y añadir escenas visuales con las que alimentar el marketing.

El atractivo de los primeros libros de 'La Torre Oscura' es ir descubriendo ese universo poco a poco y siempre desde el punto de vista de los personajes y su viaje. Es un camino que se siente grandioso pero a efectos prácticos es rutinario y minimalista, lo que deja mucho espacio para el desarrollo de personajes y la intimidad entre ellos.

Es un material más apropiado para una serie, o para una primera película más arriesgada y cercana al primer libro: algo potente y crudo pero minimalista e intimista (me viene a la mente la reciente 'Logan'). Pero Stephen King sigue sin tener demasiada suerte con las adaptaciones de su obra, supongo que estará llorándolo sentado en su sofá de oro limpiándose las lágrimas con billetes de 100 dólares.

Si habitualmente suelo evitar entrar en comparaciones de adaptación y material original, en este caso se antoja incluso inapropiado. Sí, hay un Hombre de Negro, una Torre, un niño y un Pistolero de habilidad inhumana (lo mejor de la película, por otro lado), pero cualquier parecido con 'La Torre Oscura' es pura coincidencia.

Como decía al inicio, esta adaptación cinematográfica quiere abarcar tantos aspectos que lo que consigue es un burruño de personajes desdibujados e incoherentes con una mitología sin tiempo para cuajar y asentarse en la historia y a base de conflictos que se explican en lugar de mostrarlos.

Ni siquiera maneja hábilmente la relación paternofilial entre Roland y Jake. También apunta conflictos que podría haber aprovechado para estructurar mejor la historia, como esa batalla de Jake con la supuesta enfermedad mental; o incluso desarrollar ideológicamente lo que sugiere el chiste sobre las armas que hace el niño.

Se adivinaba con varias pistas de King, y se confirma con un elemento concreto de la película, que en realidad esta Torre Oscura cinematográfica es una continuación de la historia de la novela (dar más detalles sería un spoilerazo de la saga), pero ni siquiera algo tan redentor como esto libra a 'La Torre Oscura' de la más dura de las críticas. Ni como película ni como adaptación hay por donde cogerla. Olvidable para el espectador y profundamente decepcionante para el lector.